ライブ・ステージ写真撮影では、曲間にこそシャッターチャンスが!


 
ライブ写真やステージ写真の撮影では、
本番よりもむしろリハーサルやゲネプロの時が大切だし
勝負!!だという話は何度かしました。
 
 
事前にステージのセッティングリストや進行表を受け取って、
おおよその状況を想定して現場に行っても、
本番に向けての手直しや現場対応で変わることのほうが
多いのが実際にところです。
 
それに伴って、撮影ポイントや撮影場所、アングル、
カメラのセッティングも変わってきます。
 
 
本番直前に会場に入っていきなり撮影を開始するというのは、
リスクが高いというよりも、その程度の姿勢で撮れる写真は
たかが知れていると言ってもいいでしょう。
 
 
その辺りの基本的なことは、以前の記事を参考にして下さい。
 
 
リハーサル・ゲネプロで決まる!? ライブステージ撮影
 
ステージ撮影・ライブ撮影では、リハーサル・ゲネプロが勝負!?
 
 
今日お伝えしたいのは、
リハーサルやゲネプロでの撮影のちょっとした[ツボ]です。
 
 
リハーサルやゲネプロでは、
本番では撮れない写真を狙うわけです。
 
許可が出れば、
ステージに上がって出演者の間近から撮ったり、
クラシック系であれば、本番では後ろ姿しか撮れない
指揮者の表情を捉えたりします。
 
客席後方のピンに照らされてシルエットとなった
ボーカリストの後ろ姿をステージから客席に向かって撮ったり…、
色々なことを試すことが出来ますし、普段あまり目にしない
アングルでの写真をモノにできたりするわけです。
 
 
 
そうやって本番ではとても捉えられない写真を
撮る味・面白さを知ると、本番よりもリハーサルや
ゲネプロでの撮影の醍醐味にハマってゆきます(笑)
 
 
今日お伝えしたい[ツボ]は、
そのような場面でのポイントのひとつです。
 
 
リハーサルやゲネプロで
ステージ上などで夢中で撮影していると、
いつしか出演者と意識が同期して来ます。
 
同じ空気感と時間の流れに同調して、
一緒に演じているような錯覚に陥るくらいに。
 
これは私がもともと音楽をやっていたから
余計にそうなるのかもしれませんが、
経験のない芝居やダンスでも同じ感覚になります。
 
 
そうすると、
例えば曲と曲の間であったり、
演出の調整で曲中でストップしたりした場合、
撮影しているこちらも「ホッ」として一息つくんです。
 
息をつめてファインダーを見続けていた緊張感が
フッと途切れるんですね。
 
それは仕方がないんですが
(そうでなければ緊張感は続きませんし倒れます(笑))
 
休憩時間になった時も同じです。
 
こちらも出演者と一緒に
「フ~やれやれ、やっと休憩だー」
とホッとします。
 
 
そんな時が実は[ツボ]なんです。
 
ホッとした出演者の表情、
意見を交わすメンバー、
照明スタッフと微調整を相談しているバンマス、
緊張感から解放されてふざけている団員たち、
進行や段取りを確認している指揮者と演出家…
 
どれもその時の現場の空気を伝える
捨てがたい瞬間・表情に満ちているんです。
 
 
ですから、出演者と一緒に「やれやれ」とホッとしている
ヒマはありません。
 
そんな時は、
そこら中にシャッターチャンスが溢れているんです。
 
 
演奏していない、歌っていない、踊っていない
そんな瞬間にこそ、出演者個々人の個性や性格や想いが
素直に現れるんですね。
 
 
内容に関してケンカ腰で議論を交わしている場合も
あるかもしれません。
 
 
全てが得難い現場写真になります。
ドキュメントですね。
 
 
ですから局と曲の間、中断した時、休憩に入る時…
気を抜かずに周りを見渡しましょう。
 
きっといい表情をしている顔がたくさん見つかりますよ!
 
 
 
終演後も同じですよ!
 
さっさとカメラを片付けようとしているそこの君!
機材の撤収はまだ早い!
 
ステージ撮影 終演後はホワイエ(ロビー)に急げ!!
 
 
 
芦澤来斗


リハーサル・ゲネプロで決まる!? ライブステージ撮影

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汗をかく(不潔!!)
 
カメラをぶつける(ショック!!)
 
頭を打つ(痛!!)
 
つまづく(冷汗!!)
 
どこか擦りむく(血が!!)
 
のぼる・降りる(足つる!!)
 
 
 
ライブステージフォトグラファーの実態(笑)
 
肉体労働ですね。
 
 
あまり馴染みの無い会場では特に危険(笑)
 
 
この危険がいっぱいの状況は、
特にリハーサルやゲネプロで起こります。
 
もちろん本番中でも起こることはあるのですが、
リハーサル・ゲネプロの比ではありません。
 
 
本題の前に、
「リハーサル」?? 「ゲネプロ」??
というのであれば、まずこちらを参考に。
 
これを知らないと、撮影現場で素人扱い!? 「舞台用語」
 
 
音楽業界と舞台関係、
それぞれの現場スタッフの習慣によっても
使われ方は一様ではありませんが、
私の場合、通常は以下のように解釈しています。
 
 
「リハーサル(英語)」
 
 進行・音響・照明などを確認しつつ、
 場当たりも含めて確認・お稽古の要素が強い。
 
 曲ごとなどの切れ目で止めて各種確認を行う。
 問題があればその時点で舞台監督や演出家が止める。
 
 
「ゲネプロ(ゲネラールプローベ、ドイツ語)」
 
 音響・照明・衣装・進行などすべて本番同様に行われる。
 余程のことがなければ途中でストップしない。
 
 
 
さてここからが本題です。
 
ある程度の規模のコンサートならそこそこの規模の
ホールで行われて、舞台監督・演出家もいるでしょう。
 
照明・音響・舞台・道具さん達のセッティングが
ほぼ形になり落ち着いた段階で、
「場当り」から始まり、
「リハーサル」~「ゲネプロ」~本番へと流れていきます。
 
 
その間に、カメラマンも含めた裏方スタッフにとっては
最も重要??な「シーメ(メシ=食事)」も入りますが(笑)
 
 余談)このケータリングや弁当の「質」によって、
    現場スタッフの士気はかなり変わります。
    これ本当の話(笑)
 
    この辺の裏話はBlogではあまり話せないので、
    メルマガで・・・
 
 
そしてライブステージフォトグラファーとしては、
そのリハーサルやゲネプロの時間がとても重要になります。
 
本番撮影に向けての「アングル確認」、「タイミング確認」、
「照明確認」、「画角確認」・・・などは当然ですが、
それと同等に大切なのは、
 
「本番では撮れない写真を撮る」
 
ということなのです。
 
 
 
リハーサルでは、
出演者は本番衣装を着ていないことがほとんどですし、
女性出演者はメイクも完了していません。
 
そのかわりオフステージ的な表情を狙えます。
 
バンマスとピアノ前で楽譜を見ながら
イントロの確認をしていたり、舞台監督とタイミングや
立ち位置の確認をしていたり・・・。
 
演出家と舞台監督が舞台装置の確認をしていたり・・・。
 
 
ドキュメンタリー的な写真を撮ることができます。
 
 
ただしシビアーな現場では、本番メイクを終えてない
女性アーティストにカメラを向けるのは
「ご法度!」の現場もありますけどね。
 
 
また、このタイミングでは衣装や演出が本番通りではないので、
撮ること以外に舞台周りの撮影ポイントの確認に動き回れます。
 
ここで冒頭の「事故!?」が多発するのです(笑)
 
ステージ裏を下手~上手に行ったり来たり!
 
舞台裏から奈落へ走る!
 
舞台袖から螺旋階段で照明用のキャットウォークへ駈け上がる!
 
投光室へ行く!
 
シーリングライトやフロントライトまで登る!
 
 
ホールとは、一歩ステージを離れると
「暗い」「狭い」「道具・装置が山積み」
「頭上・足元・背後には金属パイプ類やケーブル類」
の世界です。
 
「危険がいっぱい!」
 
「ヘルメット欲しい!」
 
なんです。
 
 
私も駆け出し当初、初めてのホールで何度か
「目から火花!」「星が見えた!」を経験しました(涙)
 
気付いたら手に切り傷や擦り傷・・・
なんていうことは日常茶飯事です。
 
 
カメラもハンドリングのためにケースなどは付けず裸なので、
ボディーも傷付きます。
 
そんなこと気にしている猶予はありません。
我々にとってはカメラは嗜好品ではなく道具です。
 
レンズだけは前玉保護のために
フードを常時付けています。
 
 
私は基本的に撮影時は全身黒服ですが(カラスルック!)、
気付いたらホコリで真っ白!!なんていうこともあります。
 
はらっても落ちないと思ったら「汗で潮吹いてる!」
(クジラルック!?)ということもしばしば・・・(笑)
 
 
でもその分だけ報われるんです。
 
意外な絶景ポイントやアングルを発見できるんです。
 
 
 
それを踏まえて、
「ゲネプロ」では本番では撮れない写真を撮る訳です。
 
舞台監督に了解を得られれば、
基本的にはステージ上や舞台袖から撮ります。
 
演者の背後から客席に向かって
「ピンスポ」の逆光を生かして・・・よく使う手です。
 
 
タンコブや擦り傷・切り傷の代償として、
 
「芦澤さん、これどこから撮ったんですか??」
 
なんて驚かれたり喜ばれると報われるわけです。
 
 
本番は客席後方の操作ブース(通称金魚鉢)の中から
ガラス越し・・・なんていうこともあります。
 
そんな場合は、本番で撮れる写真はしれてます。
はっきり言ってしまえば・・・。
誰が撮っても極端な違いはありません。
 
ですからそんな現場ではリハーサル・ゲネプロの時間が
特に勝負になるわけです。
 
 
 
もちろんホール関係スタッフの了解を得たうえで、
いろいろ動いてみてください。
 
新しい発見があるでしょうし、
自分だけの「秘密の撮影ポジション」を発見できると思います。
 
 
ただしくれぐれも「怪我には注意!!」です。
 
 
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芦澤来斗


ライブコンサート写真撮影のキモ(クラシック編)

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クラシックコンサートの写真撮影で最も気を使うのは「音」。
 
たとえフルオーケストラでもそれは変わりません。
 
 
静まりかえったピアニッシモのフレーズ中に
「カシャッ」なんてシャッター音を響かせたら
大ヒンシュクです。
 
でもそんな場面で無神経にシャッターを押すカメラマンが
いるんですよね。
シャッター音は聞こえないだろうと油断しているのか、
そもそも神経が「無」なのか・・・。
 
そんなカメラマンに限って腰に鍵とか下げていたりします。
動くたびにチャラチャラ音がする。
 
 
この手のカメラマンは、同じ現場では二度と会いませんけどね。
一度で出禁になりますから(笑)
 
 
カメラマンを目の敵にする年間会員のオジサン
 
音は立てないけど、やたらに動き回る・・・
これも当然NGです。
 
 
 
とにかくソロのピアノのリサイタルから、
フルオーケストラのコンサートまで、
編成や演目に関わらず、クラシック系のコンサートでは、
カメラマンは存在感を消すことが大事です。
 
クラシック系以外でも
アンプラグドのアコースティック系音楽の
ライブコンサートの写真撮影では同じ注意が必要です。
アコースティックギターの弾き語りや民族音楽系なども。
 
 
 
トゥッティ(tutti)などの大音量のシーンなら
連写しても大丈夫かもしれませんが、
まず連写はしません・・・我々プロカメラマンは。
 
そもそもこの手のジャンルのライブコンサートの写真撮影で
連写は考えられません。
意味がありませんからね。
 
 
激しく動く指揮者やヴァイオリニストを撮る際も、
「当たるも八卦、当たらぬも八卦」の連写では話になりません。
 
シャッター音が響くリスクを冒しているだけで、
本当に「ここ!」という瞬間はものにできません。
 
そんな撮り方をしていたら、いつまで経っても
本当のライブステージフォトグラファーにはなれません。
 
 
ファインダー越しにひたすら被写体を追い続け、
望んだシーンの瞬間にシャッターを切る!
 
これが醍醐味なんです。
 
 
アマチュアのカメラマンを見ていると、
構えたと思ったら撮って、
撮ったら背面液晶で確認して・・・
また構えて・・・
 
という動きが多いですね。
 
 
そんな構えた瞬間に絶妙のタイミングが
あるとは思えないんですけどね(笑)。
 
 
ある被写体(例えばソリスト)を狙ったら、
ファインダー越しにじっと「その瞬間」を待ち続けます。
極端に言えば何分でも。
 
シャッターボタンに指を載せ、ピントを合わせつつ
息を殺して待ちます。
 
 
そして「その瞬間」を逃さずに捉えるのです。
 
 
 
「その瞬間」とはどの瞬間?
 
そう思うかもしれません。
 
 
それは被写体や状況によって変わります。
 
例えば狙ったソリストがヴァイオリニストであれば、
演奏している曲のどの部分が山場なのか、
聴かせどころなのかを事前に把握しておき、
そのシーンでの表情とボウ(弓)の位置から判断します。
 
あるいはその山場の前後で良い表情が撮れたりもします。
 
 
これは、例えばロックバンドのライブコンサートで、
ギタリストを撮る時などにも共通します。
 
間奏での見せ場のギターソロを弾いているシーンも
もちろん狙い目です。
ライブ感溢れる動きのあるシーンが捉えられるでしょう。
 
でも、その間奏に突入してゆく直前や弾き終わった直後に、
良い表情を捉えるチャンスがあることが多いんです。
 
 
ですから、そのような見せ場や聴かせどころを狙う場合は、
その少し前から過ぎた後までファインダーから
目を離すことはできないハズなんです。
 
 
せっかく狙い目のシーンなのに、
始まった瞬間に一枚撮って背面液晶眺めて、
また構え直して撮って・・・
そんな暇はありませんよ!
背面液晶を眺めている時間がもったいない!!
 
 
「その瞬間」を明確にイメージして撮影に臨んでいれば、
狙った絵をものにできた瞬間に
 
「来た!!」
 
とわかります。
背面液晶でいちいち確認なんてしなくても。
 
 
そして「来た!!」こそが醍醐味であり、
各カメラマンの個性が出る部分なんです。
 
 
 
それに背面液晶をやたらに光らせていたら、
シャッター音と同様にお客様にとって目障りで迷惑です。
 
存在を消す!? ライブステージフォトグラファー
 
 
フィルム時代の一眼レフやデジタル一眼レフカメラでは、
とにかくシャッター音をいかに消すかに腐心しました。
 
防音カバーをカメラに被せたり、
防寒用撮影カバーを全体に被せて汗だくになったり・・・(笑)
 
 
今はミラーレス一眼カメラの電子シャッターでの
無音撮影が可能になってきたので、
シャッター音の気苦労からは解放されました。
 
 
 
さてクラシックコンサートに話を戻しましょう。
 
 
クラシックコンサートでは
明り(照明)が一定のケースが殆どですよね。
 
もちろんオペラなどは別ですが・・・。
 
明りが一定なので、陰影による面白みを出すのが難しいです。
照明が劇的な効果をもたらしてくれた!
なんていう幸運はあまり望めません。
 
ですので演者の表情(顔だけでなく身体全体の)を
いかに捉えるかが勝負となります。
 
 
フルオーケストラの場合は、
トゥッティで全員が演奏しているのが前提で、
ヴァイオリンやヴィオラのボウ(弓)が美しくそろっていて、
指揮者の後ろ姿に表情がある瞬間が理想でしょう。
 
 
ピアニストであれば高音部(右手の方、客席側)に顔が向いて、
右手が上がっている瞬間とか・・・。
 
このあたりは各カメラマンの好みが反映する部分ですね。
 
照明や演出効果などの飛び道具がないだけに、
腕が問われるとも言えます。
 
 
楽団の全景も必要ですが、
そればかりだと記録写真・発表会写真になってしまいます。
 
オーケストラであれば、曲の楽章によって聴かせどころ、
あるパートの見せ場があります。
 
例えばある楽章が、
冒頭のホルンの壮大なフレーズで始まるとか・・・。
 
その時は、ホルンのパートだけを抜くとか
ホルンの首席奏者をアップで狙うと面白いです。
 
 
テレビのオーケストラコンサートの放映も参考になりますよ。
そおいった場面では必ずスイッチングされて
メインの楽器がアップになります。
 
 
 
そのように場面を読んで狙うことが必要です。
 
可能であれば事前にその曲を聴いて、
狙いどころの目星をつけておければ万全ですし、
その場で慌てることもありません。
 
 
何度か話していますが、そのような事前チェックのためにも
リハーサルやゲネプロでの確認が大切なんです。
 
せっかく目星をつけていても、実際には別の楽器がかぶって
肝心な被写体が見えなかったりしますからね。
 
 
ステージに乗っている演者が多ければ多いほど、
狙いどころは多くなりますが、その分確認どころ満載です。
 
 
リハーサルやゲネプロなど事前の確認や
本番では撮れないアングルの撮影など、
極端に言うと本番までで勝負は決まっている!とも言えます。
 
 
 
クラシックに限らず
大きなホールでのライブコンサート撮影では、、
私は本番までにその日の70%位の汗をかいてしまいます(笑)
 
 
それで本番では殆ど汗もかかず冷静に
狙ったポイントの撮影に集中できるのです。
 
 
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芦澤来斗


ライブ撮影 おばあちゃん?のシャンソン教室発表会


 
 
もともとこの仕事をするキッカケが
シャンソンの先生から始まった経緯は以前にお話ししました。
 
 
突然おとずれた撮影の打診 「私を撮ってみませんか?」
 
 
ですので、当初はシャンソン関係の撮影が主でした。
 
 
 
「シャンソン」
 
 
私も含めより若い世代の貴方にとっては、
あまり馴染みのないジャンルではないでしょうか?
 
「枯葉」「雪が降る」「オー・シャンゼリゼ」
 
タイトルくらいはご存知かもしれませんね。
 
曲名でピンとこなくても、メロディーを聞けば
聞き覚えはあるのではないでしょうか。
 
 
 
とにかくその手の音楽のステージが主な撮影現場でした。
 
 
そのシャンソンの先生はご自身のリサイタルや
シャンソン関連のコンサートへの出演だけでなく、
多くのお弟子さんを持っておられ、
その各教室ごとの発表会を主催されています。
 
それも本格的なホールで、
一流のプロミュージシャンのバンド演奏で行われる、
贅沢な発表会です。
 
 
 
シャンソンと聞いて想像がつくように、
お弟子さんたちの平均年齢は
50代後半から60代が中心です。
 
私の母親より高齢の生徒さんもいました!
 
 
その方々が、年一回の発表会に向けてレッスンを重ね、
ステージ衣装をあつらえて大舞台に上がります。
 
 
 
ここでは、40代~50代は生徒さんの間では子供扱い(笑)
熟年?パワー全開です!!
 
 
 
初めての参加で緊張で固まっている40代の主婦の方。
 
撮っても撮っても緊張で強張った顔しか撮れない!!
緊張でやたらに瞬きして、
どの写真も目を閉じてしまっている!
 
 
 
70代のベテランおばあちゃん。
 
歌はともかく(失礼!)、
曲間のお喋り(MC)がやたらに面白くて、
つられて笑ってしまって手振れしそう!
 
 
個性豊かな出演者の方々。
 
 
毎年撮影させていただいていると、
当然顔なじみになります。
 
それぞれの教室の生徒さんたちが、
別の教室の発表会には観客?応援団?として来られるので、
何度も顔を合わせるのでよけいに親しくなります。
 
 
「芦澤さん、来月の私たちの発表会よろしくね!」
 
「シワが目立たないように撮ってよ~!」
 
「綺麗に撮ってくれないと承知しないわよ~(笑)」
 
「この前の写真、部屋に飾ってるのよ!」
 
 
このような反応が嬉しいですよね。
プレッシャーもありますけど(笑)
 
 
 
このご高齢の主婦の方々を撮影する際に、
いつも心に刻んでいた想いがあります。
 
それは、
 
「ご主人が見て、あらためて惚れ直す写真を撮る!」
 
という想いです。
 
 
「うちのカミさん、こんなにベッピンだったっけ??」
 
「照れくさいけど・・・綺麗だね」
 
 
ご主人にそう感じていただければ最高です。
 
 
 
ただソツなく型通りの「発表会写真」では、
その想いは伝わりません。
 
 
そんな気持ちひとつ、想いで、
取り組み方も、撮り方も撮れる写真も変わってきます。
 
 
 
そおいう事が、とても大切だと思っています。
 
 
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芦澤来斗


ライブ撮影ではファインダー(OVFでもEVFでも)は必須!

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ライブ・ステージ・舞台を撮影する際に、
使用するカメラにの絶対必要な機能として
ファインダーがあります。
 
 
最近話題の「OVF」と「EVF」については以前何度かお話ししました。
 
OVFかEVFか…ファインダーはやはりOVFが気持ちいい!けど・・・
 
「デジタル一眼レフ」と「ミラーレス一眼」の違い
 
 
 
ファインダーの無いミラーレスカメラの
背面液晶だけでも、もちろん撮影はできます。
 
 
写真の事始めが携帯やスマホだった・・・
という若い世代の人からすれば、
液晶画面の方がファインダーより慣れていて
撮りやすいかもしれません。
 
 
 
実際に、
デジタル一眼レフを持っているけど、
ファインダーは殆ど覗いたことがない!!
という、若いカメラ女子の知人もいます。
 
 
 
確かに風景や物撮りなど、
液晶画面のライブビューでじっくり構図を決める方が、
ファインダーよりも撮りやすいケースもあります。
 
 
 
ただし、ライブ・ステージ・舞台撮影では、
背面液晶の使用はご法度(禁止!)だと思ってください。
 
 
 
客席は基本的に暗いですよね。
 
その中(たとえ通路や客先の両サイドでも)では、
液晶画面の光というのは思った以上に明るいものです。
 
もちろん液晶画面の輝度を落とすことはできますが、
それでは今度は撮影に支障が出ます。
 
 
この液晶画面の明かりというのは、
ステージを見ている観客からすると非常に目障りです。
 
せっかく黒い服を着て黒子に徹していても、
背面液晶を煌々と光らせていたら元も子もありません。
 
存在を消す!? ライブステージフォトグラファー
 
 
 
一点注意してほしいのは「撮影画像の確認表示」
 
せっかく撮る時に液晶画面を消して
ファインダーを使って撮影しているのに、
「撮影画像の確認表示」をOFFにしていないカメラマンを
度々見かけます。
 
 
一枚撮るたびに背面液晶画面が光る・・・
 
これもNG!なので気を付けてください。
 
 
一枚撮るごとに液晶画面で確認する。
 
そんな余裕はありません!
 
 
ステージはどんどん進んでいきます。
 
ステージから視線を外して
撮ってしまったものを確認している間に、
絶好のシャッターチャンスを見逃しているかもしれませんよ!
 
 
 
ですので、
撮影画像表示(メーカーにより表現は違いますが、
撮影した画像が撮影直後に表示される設定)は
必ず「OFF」にしておきましょう!
 
必要な時にだけ、再生で確認できるのですから。
 
 
 
そんな小さな(決して小さくありませんが)所にも
気を使ってこそ「ステージ・フォトグラファー」への第一歩なんです!
 
 
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芦澤来斗


ライブ撮影 被写体がプロかアマかで違うのです!

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ライブ・コンサートの撮影を続けていて思うこと。
 
それは相手が永年活動を続けているプロか、
まだ経験が浅いアマチュアか…
 
 
プロと言っても、メジャー経験者とそうでない人・・・
 
 
何が違うのでしょう。
 
 
 相手がプロだと要求が高い?
 
 経験の浅い相手は緊張していて良い表情が撮りずらい?
 
 メジャーのプロだと制約が多い?
 
 会場の規模が違う
 
 弁当・ケータリングが違う(笑)
 
 ギャラが違う(爆)
 
 
 
もちろんそれぞれ違います。
 
 
 
でも今日ここで話したいのは、
 
撮影に当たってのぞみ方、
意識するべきポイント、
ある意味でのコツ、
 
という観点です。
 
 
 
結論から言いましょう。
 
 
撮る相手が
メジャーであればある程、
経験が長ければ長い程、
相手は撮られ慣れている!
 
という事です。
 
 
 
これで「ピン!」ときたあなたは、
ある程度の規模・ネームバリューのある現場を
何度か経験していると思います。
 
 
「撮られ慣れている」とは、
どおいう事でしょうか?
 
 
わかりますか??
 
 
 
言い方を代えるとこうなります。
 
 
「撮られ慣れている」=「見飽きている」
 
 
 
ようするに、
相手がベテランであればある程、
メジャーであればある程、
自分の写った写真を数多く見てきている・・・
という事なのです。
 
 
 
ですから、
音楽雑誌などに掲載されているようないわゆる
 
 記録写真
 
 記念写真
 
 発表会写真
 
的な写真は見飽きている訳です。
 
 
 
もちろん雑誌や新聞などの媒体に掲載するのが
前提での撮影では、その手の画像は必要です。
 
それはそれで、押さえるべきポイントがあり、
言ってみれば「お作法」があります。
 
逆に言うと、「お作法」さえ押さえていれば、
誰が撮ってもほぼ同じ写真になるとも言えるのです。
 
 
ですから先に言ったように、
相手はこの手の「お作法」写真を見飽きているのです。
 
 
 
私もライブ撮影を始めた当初は、
自分では「なんで??」という経験を何度かしました。
 
 
撮影した写真を相手に見ていただいた際に、
私が「これ!」と自信を持っている写真はスルーされ、
意外な写真に「これ面白いね」という反応があるのです。
 
 
「これはタイミングもアングルも決まった!!」
 
と私が思っている写真に対しては、
期待した程のリアクションがないんです。
 
 
ところが、私があまり気に留めていなかった写真が
好評だったりするのです。
そして次の公演の撮影依頼につながるのです。
 
 
当初は理解に苦しみました。
 
極端に言えば、
 
「何をどう撮ればいいのか? 根底から考え直す」
 
必要に迫られた訳です。
 
 
 
別記事でも書きましたが、
チャンスをいただいて継続的に撮らせていただくようになった、
シャンソン歌手の撮影にやっと慣れてきた頃、
どの曲のどのあたりでどう撮れば決まるか?!
が掴めてきた頃に言われました。
 
「芦澤さんの写真も普通の写真が増えてきたね」
 
 
失敗が減って、ポイントを押さえることに慣れてきた頃でした。
 
 
 
この辺りが難しいところであり、
また奥深く面白い点なんですね。
 
 
長くなったので、今日はこのへんにしましょう。
続きはまたの機会にします。
 
 
 
でも、子供のダンスやピアノの発表会などで、
上記の観点を意識して凝りすぎると
それはそれで不評を呼ぶケースが多いので注意!(笑)
 
 
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芦澤来斗


ステージ撮影 終演後はホワイエ(ロビー)に急げ!!

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カメラに関する話が続いたので、
今日は少し話題を変えて現場での話をしましょう。

 

 

 

カメラマンの営業方法には色々ありますが、
ステージや舞台の撮影現場では、
撮影当日というのも実は重要な営業のチャンスです。

 

ジャンルを問わず、コンサートにはその出演者の関係者や
同業者も多数聴きに来ています。

 

個別にそれらの業界関係者を調べてコンタクトを取る努力も
必要ですが、この世界は思いのほか横のつながりが強いものです。

 

飛び込みで売り込むよりも、顧客・知人・友人からの紹介ほど、
早くて確実な方法はありません。
(これはどこの世界でも同じですよね)

 

 

 

せっかくその手の方々が来られているのに、
みすみす逃す手はありません。

 

 

 

公演が終わったら、ダッシュでホワイエに行きましょう!

 

 

 

久々にお会いするミュージシャンやアーティスト、
事務所関係の人を見つけたら挨拶するのはもちろんですが、
そおいった方々と話をしていると、
他のご友人や知り合いの業界人を紹介していただけることが
多々あります。

 

これほどありがたい事はありません。

 

「○○さんのステージ写真は芦澤さんが撮られていたんですか!?
   誰が撮っているんだろうとずっと思っていました。」

 

友達の友達はみな友達・・・(古いですね(笑))ではありませんが、
このようにして人脈が広がってゆくと、
思わぬところで仕事につながったりします。

 

 

 

しかもこうやって紹介によって広がった新規の仕事は、
その人脈の中である一定のレベルが保証されますので、
とんでもない依頼にはなりにくいのも大きなメリットです。

 

ある程度の規模のホールなどで公演を行う人なり団体の周りには、
その水準を前提でコンサートやイベントを行っている
業界人が集まっています。

 

ですから撮影のギャラをはじめとする様々な条件も、
それに見合った仕事になることが期待できます。

 

 

 

大切なことは、
このように紹介を受けた場合は、
手作りの名刺でも構わないので必ず連絡先を交換しましょう。

 

確実性を上げるためには、
翌日にでもメールなどで改めてのご挨拶と、
自分の簡単な自己紹介を送るといいでしょう。

 

 

 

実はそんな地道な努力の積み重ねが、
クライアントを増やしてゆく近道でもあるのです。

 

 

 

以前撮影を受けたことがあり、
しばらくご無沙汰している方に偶然再会し、
それを機に、また撮影依頼をいただくこともままあります。

 

「芦澤さん、お久しぶり! 元気でしたか?」

 

こんな声がかかれば、
多分また近いうちに仕事の連絡が入る確率が高いです。

 

 

 

 

 

終演後はホット一息つきたいところですし、
気力・体力・集中力も使い切っているかもしれませんが、
そこはもうひと頑張り!

 

ここで仕事の輪が広がれば、
その後のビールの味もさらに美味くなるでしょうから(笑)

 
 
最新情報やブログには書けない話はこちらで!
 

芦澤来斗

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