ライブ・ステージ写真撮影では、曲間にこそシャッターチャンスが!


 
ライブ写真やステージ写真の撮影では、
本番よりもむしろリハーサルやゲネプロの時が大切だし
勝負!!だという話は何度かしました。
 
 
事前にステージのセッティングリストや進行表を受け取って、
おおよその状況を想定して現場に行っても、
本番に向けての手直しや現場対応で変わることのほうが
多いのが実際にところです。
 
それに伴って、撮影ポイントや撮影場所、アングル、
カメラのセッティングも変わってきます。
 
 
本番直前に会場に入っていきなり撮影を開始するというのは、
リスクが高いというよりも、その程度の姿勢で撮れる写真は
たかが知れていると言ってもいいでしょう。
 
 
その辺りの基本的なことは、以前の記事を参考にして下さい。
 
 
リハーサル・ゲネプロで決まる!? ライブステージ撮影
 
ステージ撮影・ライブ撮影では、リハーサル・ゲネプロが勝負!?
 
 
今日お伝えしたいのは、
リハーサルやゲネプロでの撮影のちょっとした[ツボ]です。
 
 
リハーサルやゲネプロでは、
本番では撮れない写真を狙うわけです。
 
許可が出れば、
ステージに上がって出演者の間近から撮ったり、
クラシック系であれば、本番では後ろ姿しか撮れない
指揮者の表情を捉えたりします。
 
客席後方のピンに照らされてシルエットとなった
ボーカリストの後ろ姿をステージから客席に向かって撮ったり…、
色々なことを試すことが出来ますし、普段あまり目にしない
アングルでの写真をモノにできたりするわけです。
 
 
 
そうやって本番ではとても捉えられない写真を
撮る味・面白さを知ると、本番よりもリハーサルや
ゲネプロでの撮影の醍醐味にハマってゆきます(笑)
 
 
今日お伝えしたい[ツボ]は、
そのような場面でのポイントのひとつです。
 
 
リハーサルやゲネプロで
ステージ上などで夢中で撮影していると、
いつしか出演者と意識が同期して来ます。
 
同じ空気感と時間の流れに同調して、
一緒に演じているような錯覚に陥るくらいに。
 
これは私がもともと音楽をやっていたから
余計にそうなるのかもしれませんが、
経験のない芝居やダンスでも同じ感覚になります。
 
 
そうすると、
例えば曲と曲の間であったり、
演出の調整で曲中でストップしたりした場合、
撮影しているこちらも「ホッ」として一息つくんです。
 
息をつめてファインダーを見続けていた緊張感が
フッと途切れるんですね。
 
それは仕方がないんですが
(そうでなければ緊張感は続きませんし倒れます(笑))
 
休憩時間になった時も同じです。
 
こちらも出演者と一緒に
「フ~やれやれ、やっと休憩だー」
とホッとします。
 
 
そんな時が実は[ツボ]なんです。
 
ホッとした出演者の表情、
意見を交わすメンバー、
照明スタッフと微調整を相談しているバンマス、
緊張感から解放されてふざけている団員たち、
進行や段取りを確認している指揮者と演出家…
 
どれもその時の現場の空気を伝える
捨てがたい瞬間・表情に満ちているんです。
 
 
ですから、出演者と一緒に「やれやれ」とホッとしている
ヒマはありません。
 
そんな時は、
そこら中にシャッターチャンスが溢れているんです。
 
 
演奏していない、歌っていない、踊っていない
そんな瞬間にこそ、出演者個々人の個性や性格や想いが
素直に現れるんですね。
 
 
内容に関してケンカ腰で議論を交わしている場合も
あるかもしれません。
 
 
全てが得難い現場写真になります。
ドキュメントですね。
 
 
ですから局と曲の間、中断した時、休憩に入る時…
気を抜かずに周りを見渡しましょう。
 
きっといい表情をしている顔がたくさん見つかりますよ!
 
 
 
終演後も同じですよ!
 
さっさとカメラを片付けようとしているそこの君!
機材の撤収はまだ早い!
 
ステージ撮影 終演後はホワイエ(ロビー)に急げ!!
 
 
 
芦澤来斗


リハーサル・ゲネプロで決まる!? ライブステージ撮影

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汗をかく(不潔!!)
 
カメラをぶつける(ショック!!)
 
頭を打つ(痛!!)
 
つまづく(冷汗!!)
 
どこか擦りむく(血が!!)
 
のぼる・降りる(足つる!!)
 
 
 
ライブステージフォトグラファーの実態(笑)
 
肉体労働ですね。
 
 
あまり馴染みの無い会場では特に危険(笑)
 
 
この危険がいっぱいの状況は、
特にリハーサルやゲネプロで起こります。
 
もちろん本番中でも起こることはあるのですが、
リハーサル・ゲネプロの比ではありません。
 
 
本題の前に、
「リハーサル」?? 「ゲネプロ」??
というのであれば、まずこちらを参考に。
 
これを知らないと、撮影現場で素人扱い!? 「舞台用語」
 
 
音楽業界と舞台関係、
それぞれの現場スタッフの習慣によっても
使われ方は一様ではありませんが、
私の場合、通常は以下のように解釈しています。
 
 
「リハーサル(英語)」
 
 進行・音響・照明などを確認しつつ、
 場当たりも含めて確認・お稽古の要素が強い。
 
 曲ごとなどの切れ目で止めて各種確認を行う。
 問題があればその時点で舞台監督や演出家が止める。
 
 
「ゲネプロ(ゲネラールプローベ、ドイツ語)」
 
 音響・照明・衣装・進行などすべて本番同様に行われる。
 余程のことがなければ途中でストップしない。
 
 
 
さてここからが本題です。
 
ある程度の規模のコンサートならそこそこの規模の
ホールで行われて、舞台監督・演出家もいるでしょう。
 
照明・音響・舞台・道具さん達のセッティングが
ほぼ形になり落ち着いた段階で、
「場当り」から始まり、
「リハーサル」~「ゲネプロ」~本番へと流れていきます。
 
 
その間に、カメラマンも含めた裏方スタッフにとっては
最も重要??な「シーメ(メシ=食事)」も入りますが(笑)
 
 余談)このケータリングや弁当の「質」によって、
    現場スタッフの士気はかなり変わります。
    これ本当の話(笑)
 
    この辺の裏話はBlogではあまり話せないので、
    メルマガで・・・
 
 
そしてライブステージフォトグラファーとしては、
そのリハーサルやゲネプロの時間がとても重要になります。
 
本番撮影に向けての「アングル確認」、「タイミング確認」、
「照明確認」、「画角確認」・・・などは当然ですが、
それと同等に大切なのは、
 
「本番では撮れない写真を撮る」
 
ということなのです。
 
 
 
リハーサルでは、
出演者は本番衣装を着ていないことがほとんどですし、
女性出演者はメイクも完了していません。
 
そのかわりオフステージ的な表情を狙えます。
 
バンマスとピアノ前で楽譜を見ながら
イントロの確認をしていたり、舞台監督とタイミングや
立ち位置の確認をしていたり・・・。
 
演出家と舞台監督が舞台装置の確認をしていたり・・・。
 
 
ドキュメンタリー的な写真を撮ることができます。
 
 
ただしシビアーな現場では、本番メイクを終えてない
女性アーティストにカメラを向けるのは
「ご法度!」の現場もありますけどね。
 
 
また、このタイミングでは衣装や演出が本番通りではないので、
撮ること以外に舞台周りの撮影ポイントの確認に動き回れます。
 
ここで冒頭の「事故!?」が多発するのです(笑)
 
ステージ裏を下手~上手に行ったり来たり!
 
舞台裏から奈落へ走る!
 
舞台袖から螺旋階段で照明用のキャットウォークへ駈け上がる!
 
投光室へ行く!
 
シーリングライトやフロントライトまで登る!
 
 
ホールとは、一歩ステージを離れると
「暗い」「狭い」「道具・装置が山積み」
「頭上・足元・背後には金属パイプ類やケーブル類」
の世界です。
 
「危険がいっぱい!」
 
「ヘルメット欲しい!」
 
なんです。
 
 
私も駆け出し当初、初めてのホールで何度か
「目から火花!」「星が見えた!」を経験しました(涙)
 
気付いたら手に切り傷や擦り傷・・・
なんていうことは日常茶飯事です。
 
 
カメラもハンドリングのためにケースなどは付けず裸なので、
ボディーも傷付きます。
 
そんなこと気にしている猶予はありません。
我々にとってはカメラは嗜好品ではなく道具です。
 
レンズだけは前玉保護のために
フードを常時付けています。
 
 
私は基本的に撮影時は全身黒服ですが(カラスルック!)、
気付いたらホコリで真っ白!!なんていうこともあります。
 
はらっても落ちないと思ったら「汗で潮吹いてる!」
(クジラルック!?)ということもしばしば・・・(笑)
 
 
でもその分だけ報われるんです。
 
意外な絶景ポイントやアングルを発見できるんです。
 
 
 
それを踏まえて、
「ゲネプロ」では本番では撮れない写真を撮る訳です。
 
舞台監督に了解を得られれば、
基本的にはステージ上や舞台袖から撮ります。
 
演者の背後から客席に向かって
「ピンスポ」の逆光を生かして・・・よく使う手です。
 
 
タンコブや擦り傷・切り傷の代償として、
 
「芦澤さん、これどこから撮ったんですか??」
 
なんて驚かれたり喜ばれると報われるわけです。
 
 
本番は客席後方の操作ブース(通称金魚鉢)の中から
ガラス越し・・・なんていうこともあります。
 
そんな場合は、本番で撮れる写真はしれてます。
はっきり言ってしまえば・・・。
誰が撮っても極端な違いはありません。
 
ですからそんな現場ではリハーサル・ゲネプロの時間が
特に勝負になるわけです。
 
 
 
もちろんホール関係スタッフの了解を得たうえで、
いろいろ動いてみてください。
 
新しい発見があるでしょうし、
自分だけの「秘密の撮影ポジション」を発見できると思います。
 
 
ただしくれぐれも「怪我には注意!!」です。
 
 
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芦澤来斗


ライブコンサート写真撮影のキモ(クラシック編)

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クラシックコンサートの写真撮影で最も気を使うのは「音」。
 
たとえフルオーケストラでもそれは変わりません。
 
 
静まりかえったピアニッシモのフレーズ中に
「カシャッ」なんてシャッター音を響かせたら
大ヒンシュクです。
 
でもそんな場面で無神経にシャッターを押すカメラマンが
いるんですよね。
シャッター音は聞こえないだろうと油断しているのか、
そもそも神経が「無」なのか・・・。
 
そんなカメラマンに限って腰に鍵とか下げていたりします。
動くたびにチャラチャラ音がする。
 
 
この手のカメラマンは、同じ現場では二度と会いませんけどね。
一度で出禁になりますから(笑)
 
 
カメラマンを目の敵にする年間会員のオジサン
 
音は立てないけど、やたらに動き回る・・・
これも当然NGです。
 
 
 
とにかくソロのピアノのリサイタルから、
フルオーケストラのコンサートまで、
編成や演目に関わらず、クラシック系のコンサートでは、
カメラマンは存在感を消すことが大事です。
 
クラシック系以外でも
アンプラグドのアコースティック系音楽の
ライブコンサートの写真撮影では同じ注意が必要です。
アコースティックギターの弾き語りや民族音楽系なども。
 
 
 
トゥッティ(tutti)などの大音量のシーンなら
連写しても大丈夫かもしれませんが、
まず連写はしません・・・我々プロカメラマンは。
 
そもそもこの手のジャンルのライブコンサートの写真撮影で
連写は考えられません。
意味がありませんからね。
 
 
激しく動く指揮者やヴァイオリニストを撮る際も、
「当たるも八卦、当たらぬも八卦」の連写では話になりません。
 
シャッター音が響くリスクを冒しているだけで、
本当に「ここ!」という瞬間はものにできません。
 
そんな撮り方をしていたら、いつまで経っても
本当のライブステージフォトグラファーにはなれません。
 
 
ファインダー越しにひたすら被写体を追い続け、
望んだシーンの瞬間にシャッターを切る!
 
これが醍醐味なんです。
 
 
アマチュアのカメラマンを見ていると、
構えたと思ったら撮って、
撮ったら背面液晶で確認して・・・
また構えて・・・
 
という動きが多いですね。
 
 
そんな構えた瞬間に絶妙のタイミングが
あるとは思えないんですけどね(笑)。
 
 
ある被写体(例えばソリスト)を狙ったら、
ファインダー越しにじっと「その瞬間」を待ち続けます。
極端に言えば何分でも。
 
シャッターボタンに指を載せ、ピントを合わせつつ
息を殺して待ちます。
 
 
そして「その瞬間」を逃さずに捉えるのです。
 
 
 
「その瞬間」とはどの瞬間?
 
そう思うかもしれません。
 
 
それは被写体や状況によって変わります。
 
例えば狙ったソリストがヴァイオリニストであれば、
演奏している曲のどの部分が山場なのか、
聴かせどころなのかを事前に把握しておき、
そのシーンでの表情とボウ(弓)の位置から判断します。
 
あるいはその山場の前後で良い表情が撮れたりもします。
 
 
これは、例えばロックバンドのライブコンサートで、
ギタリストを撮る時などにも共通します。
 
間奏での見せ場のギターソロを弾いているシーンも
もちろん狙い目です。
ライブ感溢れる動きのあるシーンが捉えられるでしょう。
 
でも、その間奏に突入してゆく直前や弾き終わった直後に、
良い表情を捉えるチャンスがあることが多いんです。
 
 
ですから、そのような見せ場や聴かせどころを狙う場合は、
その少し前から過ぎた後までファインダーから
目を離すことはできないハズなんです。
 
 
せっかく狙い目のシーンなのに、
始まった瞬間に一枚撮って背面液晶眺めて、
また構え直して撮って・・・
そんな暇はありませんよ!
背面液晶を眺めている時間がもったいない!!
 
 
「その瞬間」を明確にイメージして撮影に臨んでいれば、
狙った絵をものにできた瞬間に
 
「来た!!」
 
とわかります。
背面液晶でいちいち確認なんてしなくても。
 
 
そして「来た!!」こそが醍醐味であり、
各カメラマンの個性が出る部分なんです。
 
 
 
それに背面液晶をやたらに光らせていたら、
シャッター音と同様にお客様にとって目障りで迷惑です。
 
存在を消す!? ライブステージフォトグラファー
 
 
フィルム時代の一眼レフやデジタル一眼レフカメラでは、
とにかくシャッター音をいかに消すかに腐心しました。
 
防音カバーをカメラに被せたり、
防寒用撮影カバーを全体に被せて汗だくになったり・・・(笑)
 
 
今はミラーレス一眼カメラの電子シャッターでの
無音撮影が可能になってきたので、
シャッター音の気苦労からは解放されました。
 
 
 
さてクラシックコンサートに話を戻しましょう。
 
 
クラシックコンサートでは
明り(照明)が一定のケースが殆どですよね。
 
もちろんオペラなどは別ですが・・・。
 
明りが一定なので、陰影による面白みを出すのが難しいです。
照明が劇的な効果をもたらしてくれた!
なんていう幸運はあまり望めません。
 
ですので演者の表情(顔だけでなく身体全体の)を
いかに捉えるかが勝負となります。
 
 
フルオーケストラの場合は、
トゥッティで全員が演奏しているのが前提で、
ヴァイオリンやヴィオラのボウ(弓)が美しくそろっていて、
指揮者の後ろ姿に表情がある瞬間が理想でしょう。
 
 
ピアニストであれば高音部(右手の方、客席側)に顔が向いて、
右手が上がっている瞬間とか・・・。
 
このあたりは各カメラマンの好みが反映する部分ですね。
 
照明や演出効果などの飛び道具がないだけに、
腕が問われるとも言えます。
 
 
楽団の全景も必要ですが、
そればかりだと記録写真・発表会写真になってしまいます。
 
オーケストラであれば、曲の楽章によって聴かせどころ、
あるパートの見せ場があります。
 
例えばある楽章が、
冒頭のホルンの壮大なフレーズで始まるとか・・・。
 
その時は、ホルンのパートだけを抜くとか
ホルンの首席奏者をアップで狙うと面白いです。
 
 
テレビのオーケストラコンサートの放映も参考になりますよ。
そおいった場面では必ずスイッチングされて
メインの楽器がアップになります。
 
 
 
そのように場面を読んで狙うことが必要です。
 
可能であれば事前にその曲を聴いて、
狙いどころの目星をつけておければ万全ですし、
その場で慌てることもありません。
 
 
何度か話していますが、そのような事前チェックのためにも
リハーサルやゲネプロでの確認が大切なんです。
 
せっかく目星をつけていても、実際には別の楽器がかぶって
肝心な被写体が見えなかったりしますからね。
 
 
ステージに乗っている演者が多ければ多いほど、
狙いどころは多くなりますが、その分確認どころ満載です。
 
 
リハーサルやゲネプロなど事前の確認や
本番では撮れないアングルの撮影など、
極端に言うと本番までで勝負は決まっている!とも言えます。
 
 
 
クラシックに限らず
大きなホールでのライブコンサート撮影では、、
私は本番までにその日の70%位の汗をかいてしまいます(笑)
 
 
それで本番では殆ど汗もかかず冷静に
狙ったポイントの撮影に集中できるのです。
 
 
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芦澤来斗


「やっぱり違う!」と言っていただけました!

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つい先日の事ですが、
市が運営している協会のマネージャーから連絡をいただきました。
 
「芦澤さん、
 久々にお話ししたいので事務所に来てもらえませんか?」
 
 
この協会は、現在は公益財団法人となり、
文化振興活動の一環として、
混声合唱団と室内合奏団を運営されています。
 
 
以前、市が直轄していた頃には専属として
定期演奏会やコンサート、プロフィール用の集合写真などを
撮影させていただいていました。
 
 
色々理由があって、専属撮影の役を降りてから数年振りでした。
 
私側の都合で、いったん専属を辞退していたのです。
別にモメたりという理由ではありませんよ(笑)
 
 
 
事務所にうかがって、
当時から私を推してくれていた女性マネージャーと
財団の部長とお会いしました。
 
 
「芦澤さん何だか若返ったね~!」
 
なんて言われたり・・・(笑)
 
 
話の趣旨は、もう一度撮影を請け負ってほしいとの打診でした。
 
 
今後のスケジュールや予算などの相談の上、
撮影させていただくことに決まりました。
 
 
聞いてみると、私が不在の間は地元でも歴史のある
写真館に撮影を依頼していたそうです。
 
学校の運動会、学芸会、各種発表会など、
イベント等の撮影も手広く手掛けている老舗です。
 
 
ただマネージャー曰く、
 
「本番だけ来て、当たり前の記念写真的ショットしか
 撮ってもらえなくて・・・。いつも同じ絵なのよ!
 団員からも芦澤さんカムバックの声が上がっていたのよ。」
 
こおいうお話は本当に嬉しいです。冥利につきますよね!
 
 
ある意味、自分のスタイルが受け入れられ評価されていることの
再確認となります。
 
 
ハッキリ言って、特にクラシック系のコンサートでは、
本番時に撮れる写真にはそれほど差別化の要素はありません。
 
撮るポジションも限られますし、
極端に動き回ることも出来ませんからね。
 
 
オーケストラの撮影では、
ツボを押さえればそれ以上の飛び道具?はあまりありません。
 
 
ですから、何度も言ってきたように本番以外が大切になるのです。
 
 
ステージ撮影・ライブ撮影では、リハーサル・ゲネプロが勝負!?
 
ステージ撮影・ライブ撮影で舞台を撮らない!?
 
ホールでのステージ撮影では三脚の裏に「遊び写真」あり!
 
 
 
打合せの半月後の定期演奏会の撮影に行った際、
リハーサル開始時の団員がステージ上にそろったタイミングで、
マネージャーさんが皆さんに言ってくれました。
 
「芦澤さんが戻ってきましたよー!」
 
以前から在籍している顔馴染みの団員さん達から
歓待の拍手をもらった時には、思わず胸が熱くなりました。
 
本番前の楽屋裏でも、何人もの団員さんと再会を喜び合いました。
 
 
その後、いつにも増して気合が入ったのは言うまでもありません。
 
 
 
これだから辞められないんですよね。
 
 
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芦澤来斗


ライブハウスでの写真撮影の悪条件打開策とは!?

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ライブハウスと一口に言っても、
規模も内容もさまざまですが、
ホールと比て撮影する立場から見ると、
総じてこんな制約があるのが一般的です。
 
 
1.ステージが狭い
 
2.ステージまわりが狭い
 
3.客席が狭い
 
4.照明が暗い
 
 
 
「ステージが狭い」と厄介なのは、
出演者が「かぶる」ことが多いという点です。
 
ドラムスがリードボーカルの陰になって写らない。
 
上手や下手からだと、キーボードやPAのスピーカーが
邪魔になったり…。
 
マイクスタンドが視界を遮っていたり…。
 
なかなか思うような構図で撮れない場合が多いと思います。
 
ソロならあまり問題ないですけどね。
 
 
 
 
「ステージまわりが狭い」場合も
「ステージが狭い」場合とほぼ共通しますが、
ステージの両袖に余裕が殆どなかったり、
客席とステージが接近している場合などは、
そもそも撮影する場所の確保に苦労しますよね。
 
両サイドに避けて積んであるドラムセットやベースアンプ、
椅子にテーブル! が目障りだったりもします。
 
 
 
「客席が狭い」時は、
撮影中の移動が困難になることが多いです。
 
曲間でポジション移動しようにも、
身動きが取れないことも多々あります。
 
下手のステージ前にしゃがんだら最後、
休憩までそこから動けず、しかもすぐ後ろが客席で、
伸び上がることも無理! とか…。
 
こんな無理な体制の現場では、筋肉痛は必至ですね(笑)
 
 
 
 
「照明が暗い」
 
中小のライブハウスでは、照明機材も限られています。
 
バンドメンバーが多い場合などは、
各自に明りが割り振られないケースが多いと思います。
 
 
ボーカルにはピンが当たっているけど、
奥のドラムスは暗い! なんてこと多いですよね。
 
うつむいているキーボーディストの顔が陰になっていたり…。
 
 
 
ざっと考えても、このようにカメラマン泣かせの制約が
多く潜んでいます。
 
 
 
スペースが無いからあきらめて、
客席の後ろから脚立に乗って撮る。
 
これも最終手段ではありますが、
結局「記念写真的写真」しか撮れませんよね。
 
面白くない!
 
 
 
これら悪条件を少しでも改善するためには、
搬入~セッティング~リハーサルに同席して、
バンドメンバーや小屋のスタッフと
事前に相談することが大切です。
 
 
ステージ近くの両袖にポジションが確保できるように、
客席のレイアウトを変えてもらう・・・
 
メンバーの立ち位置を少しずらしてもらう・・・
 
マイクスタンドも少し動かす・・・
 
譜面台を少し下げる・・・
 
照明の向きを変えてもらう・・・
 
 
などなど、対応してもらえるかどうか遠慮しないで
リクエストしてみましょう。
 
もちろん全てが叶うわけではありませんが、
可能な範囲で考えて対処してくれるはずです。
 
 
そんな事前の準備が良い一枚!に繋がるし、
またそのようにコミュニケーションを取ることで、
バンドメンバーやスタッフさんとの精神的な距離も縮まります。
 
これが大事なんです。
 
 
何度か同じライブハウスに行く機会があって、
毎回このようなコミュニケーションを心掛けていると、
スタッフさんがあなたの「好み」を知ったうえで、
前もってそれに沿うように準備してくれたりします。
 
 
そんな仲間意識が芽生えると、
撮影も気分よくはかどるし、
「来た!」を感じる瞬間も増えると思います。
 
ライブ・コンサート・舞台撮影の快感!
 
ライブ撮影での視点・・・手だけ・・・足だけ・・・
 
 
現場では、お互い少しでも気分良く仕事したいですもんね!
 
 
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芦澤来斗


ライブ・コンサート・舞台撮影の快感!

 
 
当日の進行表を確認し、
 
狙いどころを自分なりに頭で描き、
 
リハーサルで実際に確認し、
 
本番に臨み、
 
描いた通りの瞬間をものに出来た時・・・
 
 
 
その時は、シャッターを切った時点で
 
 「来た!!」
 
という快感と手応えを感じます。
 
撮影画像を確認しなくてもOK!とわかります。
 
 
 
狙ったからと言って、
いつもその手応えを得られるわけではありません。
 
 
相手も生身ですしステージは生き物ですから、
同じ演目の同じ瞬間でも毎回違います。
 
 
相手の立ち位置、表情、
照明の加減(位置関係)、客席の空気感、
さまざまな要素が複合的に絡む世界ですからね。
 
 
その全てが揃った瞬間を捕らえられた時は、
至上の快感があります。
 
 
1回のステージで何度そんな快感が得られるかが
勝負!とも言えます。
 
 
逆に、どうしてもその手応えを得られない日もあります。
ソツノない写真しかものにできない現場。
そんな日は消化不良・不完全燃焼で
夜のビールも美味くないのです(笑)
 
 
 
加えて先日話したように、
こちらの「来た!!」という写真を
演者本人も「来た!!」と感じてくれれば、
次回以降も撮影の依頼が続くことに繋がります。
 
 
ライブ撮影 被写体がプロかアマかで違うのです!
 
 
 
この「来た!!」という感覚は、
撮影を続けていくうちに、場数・経験を積むうちに、
分かってきます。
 
 
最初のうちは、
 
「おっ! 今のはイケてるんじゃない?!」
 
という感じでしょう。
 
 
でも後で画像を確認してみると
 
「あれっ、狙った瞬間よりズレてる!」とか、
 
「ウワー! 半目で気持ち悪い表情!」とか、
 
「照明が入ってハレーションが・・・」とか、
 
「力みすぎてブレてる~」
 
という事が多いと思います。
 
 
もちろん期待通りの1枚を
ものに出来ている場合もあるでしょうけど…。
 
 
「イケた!」と思ってもNGだったケースを
自分なりに見直すことが次につながります。
 
 
 
そんな経験を踏んでいくうちに、
徐々に確率が上がっていくと思います。
 
 
その積み重ねが、
 
「来た!!」
 
「いただき!!」
 
という快感の確度と回数を増やしてゆきます。
 
 
 
 
行き当たりばったりでは、なかなかその確率は上がりません。
 
 
その辺りの勘所も、またいつかお話ししますね。
 
 
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芦澤来斗


ライブ・コンサート撮影では抜き足・差し足・忍び足(笑)

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ライブやコンサート、舞台の撮影においては、
カメラマンは存在を消さなければならない!
 
 
観客の目障りになるのはもってのほか!
 
 
良いアングルで撮りたいあまりに、
観客の邪魔になっているカメラマンをたまに目にします。
 
 
 
そんなカメラマンは仕事が来なくなる・・・
 
 
その辺りは別の機会にも書きました。
 
 
 
 
 
今日は靴の話。
 
 
 
 
えっ! ファッションの話?
 
いえいえ(笑)
 
 
 
靴の撮影? 物撮り?
 
いえいえ(笑)
 
 
 
 
 
今日は撮影現場での靴の話です。
 
 
 
服装は極力目立たないように、
頭から足まで全身「黒」
 
忍者? カラス? 魔女? バットマン?
 
のスタイル?が基本と以前にお話ししました。
 
 
 
 
靴に関しても「黒」が基本となります
(靴だけ赤にして個性を演出・・・それはそれアリです)が、
色だけでなくもう一点注意する必要があります。
 
 
 
 
ホールは当然ながら音が良く響くように作られています。
 
 
特に、舞台上をはじめとして上手・下手そでや
舞台裏まで床が板張りが基本です。
 
 
革底の靴で歩くと
カツカツ・・・コツコツ・・・
気持ち良い音が響きます。
 
 
 
もうお分かりですね(笑)
 
 
 
全身黒の忍者ルックでキメて、
存在を消そうと努めているにも関わらず、
 
動くたびに足音が響いてしまっては
敵に見つかってしまいます!
 
 
いや、演奏者や観客の耳障りになりますよね。
 
 
 
 
「僕(私)は本番を客席からしか撮らないから大丈夫!」
 
という貴方は以下の記事を読んでください。
 
 
ステージ撮影・ライブ撮影で舞台を撮らない!?
 
ホールでのステージ撮影では三脚の裏に「遊び写真」あり!
 
ステージ撮影・ライブ撮影では、リハーサル・ゲネプロが勝負!?
 
 
 
 
クラシックコンサートの撮影では、
シャッター音も含めて特に「音」に気を使います。
 
 
クラシックコンサートの撮影現場では、
指揮者の表情を主目的にするのに加えて、
楽団員のちょっとした仕草や会話している姿を撮るために、
私はリハーサル中は基本的に殆ど舞台上に居ます。
 
 
演奏の切れ目ごとに舞台上を移動して、
上手側・下手側、真後ろ・・・さまざまなアングルから、
指揮者はもちろん、
指揮者の指示を受けて楽譜に書き込みをしている
楽団員の様子などを撮影します。
 
 
その際に耳障りな足音を響かせていたら、
多分指揮者か舞台監督に、
 
「ちょっと舞台から降りてください!!」
 
と言われるでしょうね。
 
 
そうなったら、もう指揮者は背中しか撮れません。
 
 
 
カメラでも・・・レンズでも・・・なく
 
ただ靴のために・・・
 
せっかくの撮影チャンスを逃す!
 
 
 
こんなにもったいなくて悔しいことはありませんよね。
 
 
 
 
靴ひとつとってもそのくらい神経を使ってください。
 
 
 
まして、
 
アクセサリーや
 
腰から下げたキーホルダーがジャラジャラいっている・・・
 
 
論外ですから気を付けましょう!
 
 
 
 
靴に関して付け加えると、
 
ケースによっては
舞台のはるか上のキャットウォークを通ったり…、
投光室への螺旋階段を上ったり…、
 
舞台の周辺は意外と足場が悪かったり滑りやすい場所も多いので、
動きやすくて滑りにくい靴がいいですね。
 
 
私は試したことがありませんが、
案外地下足袋とかいいかもしれません(笑)
 
 
 
まあ高いヒール履いてライブ撮影に向かう人は
いないと思いますけどね(笑)
 
 
 
 
最後にもう一点
 
 
ライブ撮影していると、
ちょっと靴を脱ぐ必要がある場合があります。
 
 
リハーサル中に、客性の上に立って撮りたくなったり・・・
 
 
終演後の集合写真で、持参の脚立でなく
身近な台やテーブルの上から撮る必要があったり…
 
 
そう! 脱ぎやすくないと不便なこともあるのです。
 
 
この点では、やはり地下足袋はダメですね(笑)
 
 
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芦澤来斗


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