ライブ・ステージ写真撮影では、曲間にこそシャッターチャンスが!


 
ライブ写真やステージ写真の撮影では、
本番よりもむしろリハーサルやゲネプロの時が大切だし
勝負!!だという話は何度かしました。
 
 
事前にステージのセッティングリストや進行表を受け取って、
おおよその状況を想定して現場に行っても、
本番に向けての手直しや現場対応で変わることのほうが
多いのが実際にところです。
 
それに伴って、撮影ポイントや撮影場所、アングル、
カメラのセッティングも変わってきます。
 
 
本番直前に会場に入っていきなり撮影を開始するというのは、
リスクが高いというよりも、その程度の姿勢で撮れる写真は
たかが知れていると言ってもいいでしょう。
 
 
その辺りの基本的なことは、以前の記事を参考にして下さい。
 
 
リハーサル・ゲネプロで決まる!? ライブステージ撮影
 
ステージ撮影・ライブ撮影では、リハーサル・ゲネプロが勝負!?
 
 
今日お伝えしたいのは、
リハーサルやゲネプロでの撮影のちょっとした[ツボ]です。
 
 
リハーサルやゲネプロでは、
本番では撮れない写真を狙うわけです。
 
許可が出れば、
ステージに上がって出演者の間近から撮ったり、
クラシック系であれば、本番では後ろ姿しか撮れない
指揮者の表情を捉えたりします。
 
客席後方のピンに照らされてシルエットとなった
ボーカリストの後ろ姿をステージから客席に向かって撮ったり…、
色々なことを試すことが出来ますし、普段あまり目にしない
アングルでの写真をモノにできたりするわけです。
 
 
 
そうやって本番ではとても捉えられない写真を
撮る味・面白さを知ると、本番よりもリハーサルや
ゲネプロでの撮影の醍醐味にハマってゆきます(笑)
 
 
今日お伝えしたい[ツボ]は、
そのような場面でのポイントのひとつです。
 
 
リハーサルやゲネプロで
ステージ上などで夢中で撮影していると、
いつしか出演者と意識が同期して来ます。
 
同じ空気感と時間の流れに同調して、
一緒に演じているような錯覚に陥るくらいに。
 
これは私がもともと音楽をやっていたから
余計にそうなるのかもしれませんが、
経験のない芝居やダンスでも同じ感覚になります。
 
 
そうすると、
例えば曲と曲の間であったり、
演出の調整で曲中でストップしたりした場合、
撮影しているこちらも「ホッ」として一息つくんです。
 
息をつめてファインダーを見続けていた緊張感が
フッと途切れるんですね。
 
それは仕方がないんですが
(そうでなければ緊張感は続きませんし倒れます(笑))
 
休憩時間になった時も同じです。
 
こちらも出演者と一緒に
「フ~やれやれ、やっと休憩だー」
とホッとします。
 
 
そんな時が実は[ツボ]なんです。
 
ホッとした出演者の表情、
意見を交わすメンバー、
照明スタッフと微調整を相談しているバンマス、
緊張感から解放されてふざけている団員たち、
進行や段取りを確認している指揮者と演出家…
 
どれもその時の現場の空気を伝える
捨てがたい瞬間・表情に満ちているんです。
 
 
ですから、出演者と一緒に「やれやれ」とホッとしている
ヒマはありません。
 
そんな時は、
そこら中にシャッターチャンスが溢れているんです。
 
 
演奏していない、歌っていない、踊っていない
そんな瞬間にこそ、出演者個々人の個性や性格や想いが
素直に現れるんですね。
 
 
内容に関してケンカ腰で議論を交わしている場合も
あるかもしれません。
 
 
全てが得難い現場写真になります。
ドキュメントですね。
 
 
ですから局と曲の間、中断した時、休憩に入る時…
気を抜かずに周りを見渡しましょう。
 
きっといい表情をしている顔がたくさん見つかりますよ!
 
 
 
終演後も同じですよ!
 
さっさとカメラを片付けようとしているそこの君!
機材の撤収はまだ早い!
 
ステージ撮影 終演後はホワイエ(ロビー)に急げ!!
 
 
 
芦澤来斗


ライブ写真撮影のレンズ選び

 
 
『大三元が必須でしょ!』
 
『小三元でもいけるよ』
 
『やっぱり単焦点だね!』
 
 
ライブ写真、コンサート写真、舞台写真などの
撮影で共通する事とは…
 

  • 屋外に比べて暗い被写体となる
  • 撮影スペースがかなり限定される
  • あまり動き回れない
  • シャッター音など“音”に気を使う
  •  
    主にはこんな感じでしょう。
     
     
     
    そんな環境でのライブ撮影では、
    どんなレンズがいいのでしょうか?
     
    【大三元】と数本の単焦点があればOK。
     
    そう言ってしまえばそれまでなんですが…。
    そう勧めているサイトも多々見受けられますけどね。
     
     ※そもそも『大三元』『小三元』とはなに?
     
      大三元:解放F値が2.8のズームレンズ(広角・標準・望遠)
      小三元:解放F値が4.0のズームレンズ(広角・標準・望遠)
     
      元々はキヤノンのレンズで言われていた言い方ですが、
      今はニコンでも使われますね。
      詳しくはネットで検索してもらえれば、
      いくらでも出てきますのでそちらで…。
     
     
     
    それだと話が終わってしまうし(笑)、
    皆がそう簡単に揃えられるわけではないと思うので、
    もう少し現場別に考えてみましょう。
     
     
     
    ライブハウス(ロック・ジャズ・ポップス系)
     

  • 照明は暗めでそれ程ころころ変化しない
  • 撮影場所は限定され狭い
  •  
    撮影場所にもよりますが、
    客席脇や舞台目前などで撮る場合は、
    広角と標準か準望遠の2本が基本となります。
     
    出来れば“F2.8”は欲しいですが、
    高感度に強いカメラの場合は“F4.0”でも
    何とか対応できるでしょう。
     
    ズームが必要か単焦点でいけるかは、
    同程度のキャパのライブハウスでの撮影が多いのか、
    その都度規模が違うかによりますね。
     
    撮影場所からステージの距離がある程度決まっていれば、
    単焦点の方が機動力は上がります。
    価格的にも手頃で明るいレンズが手に入ります。
     
     
     
    小ホール(ダンス・芝居)
     

  • 照明は暗く目まぐるしく変化する
  • 撮影場所は少し余裕がある
  •  
    ダンスや芝居系では、基本的にとにかく
    照明が暗くて変化が激しい場合が多く、
    しかも演者の動きが速いので
    シャッタースピードは高速に保つ必要があります。
    ですから、レンズは出来る限り明るくないと
    厳しい場合が多いでしょう。
     
    この場合はやはり“F2.8”は必要でしょう。
    “F2.0”以上であれば楽です。
     
    ズームか単焦点かはライブハウスの場合に準じます。
     
     
     
    ホール(クラシック・バレエ系)
     

  • 照明は基本的に明るく一定
  • 撮影場所はケースによる
  •  
    特別な演目を除き照明は明るめで安定しているので、
    “F4.0”程度でも対応できます。
     
    ただ撮影場所が客席最後部からに限定される場合は、
    望遠がないと演者をアップで捉えられません。
    会場の大きさにもよりますが、
    300mm程度の焦点距離が必要になります。
     
    三脚に望遠と標準の2台を
    セットすることになるでしょう。
     
     [APS-C]にサンニッパ
     [フルサイズ]に標準ズーム
     
      私の場合はそのペアが多いです。
     
    客席両サイドの通路などを動ける場合は、
    単焦点でも対応可能です。
     
    ただしくれぐれも演奏中にやたらに動き回って、
    お客様の目障りになることは厳禁です!
     
    “シャッター音”に一番気を使う現場ですね。
     
     
     
    代表的な例を考えてみました。
     
    これが野外のイベントやコンサートとなると、
    また変わってきますし、昼と夜でも違いますからね。
     
    野外でも、夜の場合は上記に準じます。
     
     
     

  • ステージまでの距離
  •  

  • 照明の具合
  •  

  • 演者の動きの速さ
  •  

  • 自分のカメラ
  •  
    上記の要素を鑑みて、
    必要な最も使用頻度の高そうなレンズから
    揃えてゆくことになると思います。
     
     
    これはカメラボディーにも言えますが、
    最初の頃は“何でも新品”で考えてしまいがちです。
     
    でも中古市場に目を向けると、
    意外に手に入れ易いものですよ。
     
    無理して新品レンズを1本買うなら、
    中古で2本買う方が対応力は上がることもあります。
     
    ただしあまり古いフィルム時代のレンズは、
    デジタルだと問題がある場合がありますから、
    その辺りは情報収集して気を付けてください。
     
     
    『レンズ沼は楽しいけど怖い・・・(笑)』
     
     
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    芦澤来斗


    ライブ写真やコンサート写真撮影の第2ステップ

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    前にライブ写真の撮影を始めるきっかけについて話しました。
     
    バンドをやっていたり、
    ピアノやヴァイオリンを演奏している友人に、
    ライブやリサイタルの撮影を頼まれたのが最初だった
    というケースが多いと思います。
     
    その初めの一歩でそれなりに撮れると、
     
     「ありがとう! 次回も是非お願いしますね。」
     
    となって、数か月後とか翌年にまた頼まれて撮影する・・・
    というながれ。
     
    あなたにバンドをやっている友人が多ければ、
    ライブ撮影の機会はもう少し増えるかもしれません。
     
    また撮影した友人からの紹介で、
    新たな撮影機会を得ることもあるでしょう。
     
     
    最初のうちは殆どボランティアでの撮影だったのが、
    もしかしたら「お礼」として少しばかりの撮影代を
    受け取るようになっているかもしれません。
     
     
     
    そうして何度か経験していくうちにその面白さに目覚めて、
    もっとライブやコンサートの写真撮影をやりたい!
    と思っていませんか?
     
    近所の小さなライブハウスやギャラリーでだけでなく、
    もっと大きなホールでのコンサートの撮影にも
    チャレンジしてみたいとか・・・。
     
     
    ただここで問題なのは、
    街中でのスナップや風景写真などと違って、
    ライブやコンサートの撮影は、
    思い立ったらカメラを持って出かければ撮れる
    という訳にはいかない・・・ということ。
     
    そもそもの撮影チャンスが限定されますよね?
     
    友人や知り合いが
    ライブやリサイタルを開催しなければ撮れませんからね。
     
     
    撮りたいけど機会がない。
     
    ここで止まっていませんか?
     
     
    ライブ写真やコンサート写真の撮影に
    積極的に取り組むカメラマンが少ない要因のひとつは
    そこにあるのかもしれません。
     
     撮りたくても撮る機会がない・・・
     
    これって結構なストレスですよね。
     
     
    知人のヴァイオリニストが
    アマチュアの楽団に属していたり、
    友人のダンサーが大勢が所属するサークルに
    入っている場合などは、
    そこから派生して撮影依頼がくるでしょう。
     
    その場合は撮影機会は多少は増えると思います。
     
     
    ただしその場合でも、
    横の広がりは望めますが縦の展開は中々難しい
    というのが実情です。
     
     
    どういう事かというと、
    アマチュアの演者の広がりはあくまでアマチュア・・・
    という事なんです。
     
    アマチュア楽団のあるパートの団員さんが
    自主公演を開催する・・・。
     
    友人のバンドが対バン組んで大きなライブハウスで演奏する。
     
    ダンスサークルの中の数名が、
    自分達の独自の創作ダンスを発表する。
     
     
    「撮影の経験を積む」という意味では、
    それらのチャンスも積極的に引き受けなければいけません。
    大切な「場数」です。
     
     
    ただしここでいう広がりとは、
    あくまで横の広がりなんですね。
     
    撮影対象があくまでアマチュアなんです。
     
    場合によってはその中に指導者の「プロ」がいて、
    それが縁で・・・ということは考えられますけどね。
     
     
    このアマチュア対象の横の広がりを踏み台にして、
    いかに縦の展開、「プロの現場」に入っていくかというのが
    次のステップになります。
     
     
    前に話しましたが、
    撮影対象が「アマチュア」か「プロ」かで、
    極端に言うと求められるものが違うんです。
     
    プロを相手にする場合には、
    「発表会写真」ではダメなんです。
     
    キレイにソツなく撮れているだけでは、
    次の指名はもらえません。
     
     
    ここをどう乗り越えていくか・・・
    このハードルをどうやって飛び越えるか・・・
     
    これはケースによって、
    あなたを取り巻く状況によっても変わるので、
    「これが正解」ということはありません。
     
     
    ただし、最低限の要素・・・ポイントはありますし、
    そこに近づくための取り組み方というのはあります。
     
     
    その辺りのノウハウは私のケースをもとに、
    パターンごとにメールでお伝えしてゆきます。
     
    ライブ撮影 被写体がプロかアマかで違うのです!
     
    お遊びのライブ撮影ならそれでいいけどね(笑)
     
    ライブコンサート撮影に取り組むには?
     
     
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    芦澤来斗


    ライブステージ・コンサート写真のデジカメ撮影 事始め

    22-0-016_w
     
     
    ライブやコンサートの写真を最初に撮るキッカケは、
    もちろん人それぞれですが、
    ほぼ下記のパターンに当てはまるのではないでしょうか?
     
     
    1.バンドやダンス、芝居をやっている友人から
      撮影を頼まれる
     
    2.ピアノやヴァイオリンを習っている友人・知人・親族に
      発表会やリサイタルの撮影を頼まれる
     
    3.無料のイベントやライブへ行って撮る
     
     
    おそらくデジタル一眼レフかミラーレス一眼を持っていて
    趣味で写真を撮っているか、
    お気に入りのミラーレスカメラかコンデジを常に持ち歩いていて、
    日常生活をスナップしている人でしょう。
     
     
    共通しているのはそれなりのカメラを持っていて、
    自他ともにカメラあるいは写真が好きという認識がある・・・
    という人ではないでしょうか?
     
    写真を撮る必要がある場合は彼に頼もう・・・
    と回りから思われている人・・・という感じですね。
     
    まさかスマホしか持っていない友人に、
    わざわざ「撮って」とは頼まないでしょうからね。
     
     
    3のケースの人は、頼まれなくても自分から
    積極的に撮りに行くでしょう。
     
     
     
    この手の人はライブやコンサートに限らず、
    身内や知り合いのイベント・・・例えばパーティー、発表会、
    同窓会、旅行、飲み会に冠婚葬祭・・・etcでは、
    写真係を頼まれるか、自ら進んで引き受けるでしょうね。
    ・・・たぶん・・・
     
     
     
    そのようなカメラ好き・写真好きと言われる人達の中で、
    ライブステージ写真撮影にハマっていくのは、
    1のケースがキッカケだった人が多いようです。
    少なくとも私の回りはそうです。
     
    1の変形パターンとしては、
    ライブハウスなどでアルバイトをしていて興味を持った・・・
    というケースもあります。
     
     
    2のパターンの人は、
    毎年一回とか頼まれれば引き受けるのですが、
    それ以上にこのジャンルの撮影にハマるということは
    あまりないようです。
     
     
    3のケースは、
    もしかすると一番写真撮影が好きな人なのかもしれませんが、
    特にライブステージ撮影に入れ込むわけではなく、
    スナップから花などのネイチャー、風景のように幅広く撮影を
    楽しむ人が多いように感じます。
     
     
     
    ここで感じるのは、
    1ないし1の変形パターンの人に共通するのは、
    自分も「演じる側」の経験がある人が圧倒的だということです。
     
     
    自分もギターを弾いていた(弾いている)・・・、
    学生時代にバンドをやっていた・・・、
    演劇部に所属していた・・・、
    ダンスを習っている・・・、
     
     
    これはホールやライブハウスのスタッフにも言えることです。
     
    みんな音楽やダンスや演劇など何らかの経験者か、
    経験はなくてもすごく好きな人達なんですね。
     
    逆に、そうだからその手の仕事をしているとも言えますが・・・。
     
     
    ライブステージフォトグラファーというのも、
    同じようなことが言えるような気がします。
     
     
    一般的な意味で言う写真撮影の中でも
    どちらかというとマイナーなジャンルと言えるかもしれない
    ライブステージ・コンサート撮影を
    メインの対象に選ぶ動機としては、
    やはりその世界への思い入れがありそうですね。
     
    私がモロにそうなので、
    余計にそう感じるのかもしれませんが・・・。
     
     
     
    やはりどのジャンルであっても、
    思い入れがあるジャンルに一番力が入りますよね。
     
    服飾に興味があれば、
    ファッション系の撮影に向かうでしょうし・・・。
     
     
     
    もちろん一般的なフリーランスのカメラマンは、
    来る仕事は基本的にすべて請ける(ハズ!?)なので、
    一つのジャンルだけ・・・という訳にはいかないのが実情ですが、
    やはり好き・得意というのはあります。
     
     
    ですのでその意味では、
    私のこのBlogを興味を持って読んでくれているあなたは、
    きっと音楽、ダンス、演劇などがとても好きか、
    実際に経験しているんではないですか?
     
     
    そういう人と交流したいし、
    ライブステージ写真を撮るための力になりたいと思っています。
     
    最新カメラの評論が大好きな人達ではなくね・・・(笑)
     
     
    「ライブ写真撮影 はじめの一歩」
     
    ライブ写真やコンサート写真撮影の第2ステップ
     
    お遊びのライブ撮影ならそれでいいけどね(笑)
     
     
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    芦澤来斗


    ライブステージ・舞台写真撮影のキモ(バレエ・ダンス編)

    06-23-01-099_w
     
     
    ステージ : うす暗い!
     
    照 明 : 目まぐるしく変わる!
     
    出演者 : 黒っぽい衣装で大勢!
     
    動 き : 早い!
     
     
     
    カメラマン泣かせのダンスの舞台。
     
     
    ジャズダンス系などでよくあるシチュエーションです。
     
     
    デジタル一眼レフの黎明期、
    まだ高感度特性が今ほどではなかった頃は、
    この手の撮影は苦労しました。
     
    ISO感度もせいぜい800、仕方なく1600を使うという状態。
     
    ギリギリの露出でRAWで撮影し、
    撮影後にPCで露出を持ち上げるなど後処理を
    しなければなりませんでした。
     
     
     
    その点、最近のデジタル一眼レフやミラーレス一眼は
    高感度性能が目覚ましく向上し、
    ISO3200や場合によっては6400でも
    実用に耐えるようになってきました。
     
     
     
     
    バレエの場合は、
    逆に舞台の照明は明るめで一定の演目が一般的です。
    (もちろん、そうでない凝った照明の演目もありますが)
     
    露出に関してはバレエ写真は
    ジャズダンスやヒップホップ系などのダンス写真より
    対応しやすいですね。
     
     
     
    バレエ写真でもジャズダンス写真でも、
    ダンス系の撮影では
     
    「区切りとなる拍子」
     
    でのキメポーズを逃さないのが基本となります。
     
    もちろん演目や曲によっては
    そうはいかないダンスもあります。
     
    創作系のダンスや、そもそも音楽がないとか・・・。
     
     
    しかし一般的な音楽に合わせて踊るダンス系の撮影の基本は
    まずは「区切りとなる拍子」を押さえることから始まります。
     
     
    イチ・ニッ・サン・シッ・ゴー・ロク・シチ・ハチ
    ニー・ニッ・サン・シッ・ゴー・ロク・シチ・ハチ
     
     
    例えば上のような拍子の曲であれば、
    「ハチ」の拍子がキメポーズになるケースが一般的です。
     
     
    まずはその拍子でのキメポーズをとらえます。
     
    そうは言っても全員が綺麗にそろってなかったりしますが・・・(涙)
     
     
    意図的に動きを表現する場合を除いては、
    基本的に確実に動きを止めてキメの瞬間を撮影します。
     
     
    大人数で一斉に踊るシーンなどでは、
    本番で全景だけを撮るだけでは発表会写真になってしまうので、
    フィニッシュや曲の途中で全員が綺麗なキメポーズを取る
    見せ場の瞬間をメインに撮影し、それ以外のシーンでは
    望遠で数人ずつのパートごとに撮るのも手ですね。

    念のために本番同様に行われるゲネプロで、
    ステージ上や舞台袖から、後列側や上手側・下手側の
    両サイドさど、正面からでは撮りにくいダンサーを
    事前に撮影しておければ完璧です。
     
    目立ちにくいポジションのダンサーも確実に撮っておく・・・。
     
    思いやりですね。
     
     
     
    メインのダンサーやソロでの踊りをとらえる場合は、
    確実に動きを止め、指先・足先まで収めるのが基本です。
     
     
    特にそのダンサーの特徴や得意な技・ポーズがある場合は、
    それを逃してはNGです。
     
    それを事前に知っておくのが前提ですが・・・。
     
    レッスンの見学に行くなりリハーサルでチェックするなり、
    事前にチェックしておくことが大切です。
     
     
    顔馴染みになれば、前もって演目の主題や見どころを
    教えてもらえますし、リハーサルやゲネプロでそれを
    テスト撮影しながら確認できます。
     
     
    大きな公演などでは、
    舞台監督や照明さんとの事前確認も大切になります。
     
     
    キメポーズの瞬間に照明が同期して変わる!
    そんな瞬間があることをを知らずに取り損なったら、
    ゴメンナサイでは済みませんからね。
     
     
    やはりダンス写真やバレエ写真の撮影においても、
    事前準備やリハーサル・ゲネプロでのチェックが大切です。
     
    ステージ撮影・ライブ撮影では、リハーサル・ゲネプロが勝負!?
     
     
     
    あと注意が必要なポイントとしては、
    衣装を美しく見せるために露出には細心の神経を!
    ということでしょうか。
     
     
     
    例えばバレエの白い衣装が露出オーバー気味で
    真っ白くノッペリと飛んでしまったり、
    赤い衣装が色飽和でベッタリ質感がなくなってしまったり・・・。
     
     
    動きを追うことに気を取られすぎて気が回らない場合に、
    ありがちなミスです。
     
     
    その辺りのチェックもリハーサルやゲネプロで忘れずに!
     
     
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    芦澤来斗


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